Zonsystemet, vad det är och hur du jobbar med det!

Zonsystemt

Zonsystemt

Delar av denna artikel är fritt översatt från en engelsk förlaga från tutsplus.com

Bild tagen av Ansel Adams

Bild tagen av Ansel Adams

Att korrekt kunna återge de färger och toner vi ser med ögat är ju ett självklart mål med vårt fotograferande. Den världsberömde fotografen Ansel Adams uppfann med kollegan Fred Archer Zonsystemet på 1930-talet. Det är i första hand ett tillvägagångssätt för att standardisera vår arbetsprocess avseende korrekt exponering. Åldern till trotts är det fortfarande det bästa sättet att garantera en korrekt exponering i alla situationer, även i de svåraste ljusförhållandena, såsom bakbelysning eller i fall av extrem skillnad mellan ljus och skuggområden i en scen och många liknande förhållanden. 

Även om zonsystemet i sitt grundutförande är svart/vitt så går det alldeles utmärkt att applicera det på färgmotiv och även om det utformades i en tid då endast analoga kameror fanns så är det idag ett utmärkkt verktyg för digitala kameror men även i post processen i exempelvis Photoshop. Mer om det nedan.  

Mellangrå (18% reflektans)

Våra kameror lever i en relativt tråkig grå tillvaro. Den ser världen i en gråskala ljusmätaren i våra kameror är designad för att ge en korrekt återgivning under vad som kan anses vara genomsnittliga ljusförhållanden mao mellangrå vilket är den exakta punkten mellan det svartaste svarta och det renaste vita. I praktiken innebär det att när du riktar ljusmätaren mot en svart sten eller ett svart plagg kommer kameran att tolka detta som mellangrå. Detta får till följd att ljusa partier i scenen blir överexponerade. Samma sak tvärt om, det vill säga att om din ljusmätare riktas mot något rent vitt får det till följd att allt som är mörkare blir underexponerat. 

Zonsystemets uppdelning

Systemet är uppdelat i 10 zoner, där zon 5 (V) är mellangrå. Varje zon motsvarar ett exponeringsstopp. För att återknyta till det som står ovan så blir det således en förskjutning åt höger i exemplet med stenen och åt vänster i exemplet med molnen. 

Zonsystemet i praktiken

Om vi för resonemangets skull säga att vi levde i en värld utan färg så kan vi alltså utifrån det våra ögon uppfattar börja dela in motivet framför oss i zoner. Asfalten på vägen, zon 3 (III), Gräset zon 5 (V), träden i den skuggbelagda dungen zon 4 (IV), molnen zon 7 (VII) och så vidare. Om träden i dungen är det huvudsakliga objektet skulle det innebära att du behöver exponeringskompensera med +1 stopp för att åstadkomma en bra exponering, är det å andra sidan molnen som är det essentiella kompenserar du med -2 stopp. 

Men nu lever vi ju inte i en grå värld jämt utan den är full av vackra färger och att lära sig att översätta dessa färger till rätt zon är det svåra och något man behöver lära sig att behärska innan man fullt ut kan dra nytta av zonsystemet. Men för att komma i gång så finns det ju en del hjälpmedel och en referensramar att börja med. Se nedan.

 

Skärmavbild 2017-11-10 kl. 07.25.27.png

Lite hjälp på vägen

Som ovanstående bild visar så kommer genomsnittliga färger bli korrekt exponerade när man definierar dom som zon 5 (V). Mao, så kommer de i bild återges som de såg ut i verkligheten. Dessa toner inkluderar grönt gräs eller trädblad, röda blommor, klarblå himmel och liknande ...

Färgtoner som är lite ljusare än medelvärdet bör placeras i zon VI. Dessa färger är mer som pasteller eller bleka medelfärger. Dessa toner inkluderar ren gul, ljusrosa röd, babyblå, bebisrosa och liknande ...

Färgtoner som är ljusare än det bör placeras i zon VII. Dessa inkluderar vit snö, vita moln, dimma, rök, dimma, ljus sand ...

Färgtoner lite mörkare än genomsnittet bör placeras i zon IV. Dessa inkluderar trädstammar, mörkblå himmel och så vidare ...

Färgtoner som är mörkare än det borde vanligtvis placeras i zon III. Dessa toner inkluderar svarta valpar, svarta skor, extrema skuggor, kol och liknande ...

Inom digital fotografering är en tekniskt sett korrekt exponering en som är anpassad för mitttonerna, utan några urblekta högdagar  

Så om det dynamiska området för en scen är större än en som kan fångas med endast en exponering så har du valet att antingen offra högdagarna (sämre) eller skuggorna (bättre) eller ta flera exponeringar (bracketing).

Så för att korrekt återge ett motiv, visualisera det huvudsakliga objektets färg inom zon III till zon VII. Rikta ljusmätaren på den färgen. Justera kamerainställningarna tills du får ljusmätarens hash-märkning i nollområdet, se till att du inte är överexponerar dina högdagar och ta bilden.

Zonsystemet i post process

Ansel Adams bilder kom till i ett klassiskt mörkrum, idag har vi mer raffinerade verktyg att tillgå. Till Photoshop finns en rad tillägg att köpa, exempelvis TK 5 och Zone System Expresspanel. Dessa verktyg arbetar med zonsystemet som utgångspunkt i postredigerinegn vilket låter dig tillexempel väldigt kirurgiskt arbeta med curves i zon 3 (III) eller Hue/Saturation i zon 6 (VI).

Vilka är de bästa sätten att lära sig fotografera på?

 

Att ta en bild kan alla, det har blivit en vardagshandling nästan lika självklar som ett mål mat. Men att fotografera är i jämförelse en konst, ett hantverk man behöver lära sig och passionerat ägna sig åt för att utvecklas i. Liksom alla typer av konst finns det många olika sätt att lära sig. Det beror verkligen på individen och vilka mål och förutsättningar du har. För att svara på ovanstående fråga så listar jag här nertill ett par sätt av flera. 

Nedanstående är inget facit, testa det som känns kul och hoppa över det andra. Allt kommer inte vara kul eller inspirerande. Att hitta njutning i fotografering är viktigare än att hitta den mest effektiva metoden att lära sig, eftersom njutning är det som motiverar dig att fortsätta att driva din passion och hobby. 

Investera i en kamera

Priserna på kameror är idag billigare än någonsin och möjligheten att köpa riktigt bra teknologi stora. Det betyder att din idealiska kamera (OBS inte nödvändigtvis marknadens bästa) sannolikt är prismässigt ganska överkomlig. Varför inte köpa en modell som släpptes för några år sedan? Ofta skiljer sig inte prestandan supermycket och du kan spara en del pengar genom att köpa en äldre modell. Anledningen till att investera i en kamera som du tycker om att använda är att det kommer att öka din motivation för att fortsätta fotografera. För att lära sig fotografi behöver du träna och träna. Övning ger färdighet. Att hålla motivationen uppe, eller snarare att fallera att göra det är ett av de största hindren för att ta sig vidare. En kamera att växa i med mycket funktioner, manuella fotograferingslägen etc. är därför relativt viktigt. Dessa och andra funktioner gör det möjligt för dig att experimentera och vidareutvecklas. 

Gör fotografering till en vana

Fotografering behöver inte bara ske när du har din kamera till hands. Vidareutveckla dig genom att böjra betrakta din omgivning med en fotografs öga. Hitta kommande objekt/motiv, stanna upp och analysera hur solens strålar lyser upp det guldgula lövverket i trädet och fundera utifrån nyvunnen kunskap hur du skulle porträttera det, både utifrån komposition och teknik. När du har kameran med dig och tar bilder, kom ihåg de grundläggande principerna för fotografering och försök att tillämpa dem. Ta din tid på att komponera fotot, justera kameravinkeln, och välj det som är lämpligt och experimentera med omgivningen.

Pröva stilleben.

Fotografi med stilleben är ett bra sätt att lära sig fotografering för både nybörjare och amatörfotografer. Med fotografering av stilla objekt har du tid att komponera och omforma bilden som du vill. Du får tid att ta samma bild med olika inställningar för att jämföra skillnaderna. Du kan i lugn och ro granska bilderna och experimentera. Fotografering av människor eller exempelvis actionbilder ger dig inte samma frihet och flexibilitet. Samtidigt är det viktigt att snabbt komma i gång och fotografera olika stilar för att hitta den där subtila skillnaden som gör en nisch till en passion. 

Gå på tur!

Fånga möjligheten att på en ledig dag och iklädd ett par bekväma skor ta dig ut, antingen i närområdet eller på en kortare utflykt. Gör en heldagsexpedition och upptäck nya motiv och fotomöjligheter. Detta gör det möjligt för dig att experimentera och prova nya saker med din kamera. En sån utflykt tillåter både nybörjare och professionella fotografer att ha en avslappnad miljö där de bara kan njuta av fotografering. 

9 goda råd till dig som vill fota bättre landskapsbilder

På dessa sidor finns tips och tricks för dig som precis är i början av ditt fotoäventyr. Jag heter Mattias och är en passionerad fotoentusiast med några år av erfarenhet.

1. Platsen (location som de säger over there) är avgörande

Även om det kan sägas vara i betraktarens öga och att allting är ett motiv så är det just inom landskapsfotografering ofantligt viktigt att hitta platsen som har ”det. Väl där är det dags att börja hitta något att hänga upp din komposition på. En förgrund är sannolikt det viktigaste elementet. 

 I denna artikel kan ni läsa mer om kompositionstips. 

2. Invänta det bästa ljuset.

Landskapsfotografering och sömn är två oförenliga ting. Extremt tidiga mornar och (på sommaren) sena nätter är en förutsättning för att få bra ljus. Ruggigt väder är också riktigt bra inom denna genere. 

Ljus är ju en av de viktigaste faktorerna inom allt fotografi, men mer inom landskapsfotografering än kanske någon annan diciplin. Det spelar ingen roll hur bra location du hittat, om ljuset inte infinner sig så är det kört och resultatet kommer bli platt och tråkigt. Det bästa ljuset för landskapsfotografering är tidigt på morgonen eller kring solens nedgång. Det finns väldigt bra appar för att hålla kolla på när dessa infaller.

3. Var inte lat

Precis som ovanstående punkt tar upp så kan det vara värt att nämna att bra locations inte alltid eller väldigt sällan ligger runt hörnet eller just där du befinner dig. Bra kläder och skor och ett öppet sinne som medger lång väntan och ännu längre promenader är därför bra att ha. 

4. Var tålmodig

När jag senast kom till Haifoss på Island efter en ganska lång biltur och insåg att hela ”scenen” var inbäddad i kraftig dimma så var det bara att sättas sig ner och vänta. Efter regn kommer ju som bekant solsken (nångång) så det är bara att ta det lugnt och vänta. Vid Haifoss fick vi så småningom en fantastisk upplevelse och några oförglömliga bilder. 

5. Använd alltid en Tripod (stativ) och fjärrkontroll. 

Tripods finns i en massa olika utföranden och jag skulle vilja rekommendera SIRUI eller Vanguard. Stativ tillåter dig att alltid använda lägsta möjliga ISO och längsta möjliga slutartid utan att påverka kvaliteten. 

6. Använd ND och polariserande filter

Filter tenderar att vara lite av en djungel. Dels finns många tillverkare, dels finns det många olika sorter. Här finns några länkar till artiklar som mer ingående pratar om filter:

Vilka filter ska jag köpa? (del 1)

Vilka filter ska jag köpa? (del 2)

Graderade ND-filter är passé

7. Bli aldrig riktigt nöjd.

Detta gäller för alla bilder du tar. Det spelar ingen roll om det är ett landskap eller ett porträtt, om du kan göra det bättre, då borde du göra det. Ofta på grund av den tid och ansträngning som landskapsfotografering kräver är det lätt att nöja sig i stället för att vänta eller komma tillbaka för att ta en ännu bättre bild. Du bör alltid sträva efter att fotografera någonting på bästa möjliga tid, på bästa möjliga sätt, även om det innebär att vänta eller komma tillbaka senare.

8. Fota alltid i RAW

RAW är en oprocessad datafil som till skillnad från exempelvis JPEG är helt platt. Men den är även den mest formbara och kommer belöna dig genom den extra tid du lägger ner i post processen. 

Du kan läsa mer om detta här. 

9. Experimentera

Det finns väldigt många tekniker och regler som hjälp på vägen men låt inte dessa döda lusten att experimentera. Digital fotografering innebär att det finns stort utrymme att testa utan att du behöver lägga massa pengar på exempelvis film och framkallning.

 

5 enkla steg att börja editera RAW

Inledningsvis så kan ju detta med RAW tyckas vara lite mystiskt. RAW är just vad det låter som. En ej processad fil. En RÅ fil, till skillnad från exempelvis JPEG som kameran själv processar. Mer om RAW kan ni läsa här

Nedanstående går att göra i samtliga RAW editors, oavsett om det är exempelvis Camera RAW, Lightroom, ON1 eller Affinity. 

1. Fixa Vitbalansen.

En stor fördel med att fota i RAW är ju att du bl.a. efteråt kan ställa vitbalansen. Mycket användbart och ibland helt nödvändigt. En kompis kom hem från Island med samtliga bilder knäppta med tungsten som förval så allt gick i blått. Som tur var fotade han i RAW så ingen fara på taket, allt gick att rädda. Men så kan det gå!

2. Skruva till exponeringen

EN RAW-fil innehåller mer data om högdagar (ljus) och skugga än något annat filformat. Att därför kunna öka ex. ett halvt stopp på en något underexponerad bild är en tydlig fördel

3. Ställ vitan och svartpunkten

I exempelvis Lightroom håller du nere alt (Mac) samtidigt som du rör slidern till höger eller vänster. för att se masken för korrekt vit/svartpunkt.

Mask som visar svartpunkten

Mask som visar svartpunkten

4. Högdagar och skuggor

För exempelvis landskapsmotiv, dra ner (vänster) högdagarna fullt och öppna upp skuggorna helt, fullt höger 

5. Fixa lite extra punch

Arbeta med klarhet, kontrast och saturation. Men skruva varsamt.

Ett reportage från en fotoresa

Jag och en vän landade på Island en fredag i september. Klockan var 14 och vårt första mål var halvön Snälellsnes 22 mil bort. När vi väl hade fått vår bil, en Fiat Panda, uppstod en viss press att nå målet innan mörkrets inbrott. Till saken hör att Fiaten förvisso är en 4x4 men knappast den starkaste bilen på planeten och långt från den bil vi hade reserverat så på kraften av en symaskin tog vi oss i sakta mak norrut. 

Strax innan 19 rullade vi igenom det lilla samhället Grundarfjordur och det intill liggande Kirkufjell. Det första som slår en när man anländer Island är det osannolikt omväxlande vädret. Kastvindar, sol och regn blandas hela tiden och det som ena minuten ser ut som en bild är för ögat helt täckt i dis i nästa.

Vi jobbade på under c:a 90 minuter för att sedan ganska trötta och blöta landa på hotell Framnes. Ett enkelt hotell fyllt av olika nationaliteter. De flesta med samma mål, Kirkufjell. 

 

Kirkufjell

Kirkufjell

Det man kan säga om Kirkufjell är väl två saker, det är enastående samt att det förmodligen är en av de mest fotograferade objekten i världen, eller åtminstone i Europa. 

Jag debatterade rätt länge med mig själv om jag skulle lägga energi på att åka just dit men kom ändå fram till att jag, utifrån att detta var mitt första besök på ön, inte kunde undvika att besöka det. Jag ville, trotts att det redan finns tusentals bilder därifrån, ta min bild.. På mitt sätt. Även om det skulle visa sig att min bild, trotts allt, vart ganska lik alla övriga. 

En liten anekdot och viktig ”note to self”, ha koll på tidvattnet oavsett var ni befinner er på Island. Det kan i värsta fall vara en lek med döden. Vid Kirkufjell var det aldrig så allvarligt men ni kan komma i håg, vilket vi fick erfara, att vägen upp till den sedvanliga fotoplatsen helt läggs under vatten efter mörkrets inbrott så räkna med att vada i iskallt vatten om ni dröjer kvar för länge. 

Nästa morgon kl. 05 ringde klockan för att i mörkret och direkt efter frukost bege oss tillbaka till Kirkufjell. Morgonen bjöd tyvärr inte på några tårdrypande soluppgångar men väl fina molntexturer och ett 40-tal glada entusiaster från såväl Kanada som USA, Kina och Italien. 

På väg mot nästa mål, Hellnar, så fanns det gott om fototillfällen. Praktiskt taget hela ön utgör en fotomöjlighet vilket kan vara värt att komma ihåg när och om ni planerar en resa dit. Ni bör lägga in tid för spontana stopp helt enkelt mellan de givna och kanske mest uppenbara resmålen. 

Fantastiska vattenfall, berg och lavafält utgör alla bra fotoobjekt. Kända och okända. 

Hellnar är ett område nere vid havet, på samma landtunga som Kirkufjell ligger vid på öns västra sida. Utan att i isländska mått vara unikt så är det en enastående upplevelse med fantastiska klippor och det vilda havet helt öppet. 

 

Hellnar

Hellnar

Efter en hel dags fotande var det så åter dags att söka upp nästa destination för natten, Reykjavik.  En till bra sak att bära i minnet när ni reser i egen bil på island är att såväl mackar som butiker i bland ligger både med 10 och 15 mils avstånd från varandra så det är en god idé att se till att fylla på alla förråd.

Nästa morgon bar det istället av väster ut, dagens huvudmål var Haifoss via nationalparken längs väg 36 vid Mosfellsdalur. Nationalparken är i sig ett bra mål med fantastiska vyer och vackra miljöer. Här finner ni även ett annat vattenfall, Höxnarfoss med tillhörande och ganska coola formationer i berget. 

Haifoss var helt klart resans höjdpunkt, en enorm canyon med flera stora vattenfall. Fallhöjden är 122 meter och med god sikt ser ni flodens sträckning i princip hela vägen ner till Atlanten några mil söder ut. 

Väl där fick vi erfara ett typiskt Isländskt väder. När vi anlände var sikten som bäst kanske 10-15 meter, i nästa sekund blåste molnen förbi och solen lyste upp delar av canyonen för att åter fyllas med dis och moln för att åter bli relativt klart. Allt inom loppet av 30 minuter. Mycket nöjda lämnade vi Haifoss för att återvända till Keflavik och flyget hem.

Haifoss

Haifoss

Hur du komponerar den bästa landskapsbilden

Om du som jag spenderar en del tid på 500px eller Flickr på temat landskapsbilder så kommer du att notera att en mycket liten andel av den totala bildpopulationen sticker ut från resten.

Om du däremot kollar in en kurerad/managerad grupp eller tråd med utvalda landskapsbilder kommer du snabbt se att vissa element är återkommande. Subtila men gemensamma nämnare är oftast:

  • Ledande eller konvergerande linjer
  • Intressant perspektiv
  • Visuellt intressanta förgrundselement
  • Visuellt intressanta mellanlags- och bakgrundselement
  • Levande färger och ljus
  • Inte sällan rörelse

En bra landskapsbild behöver inte nödvändigtvis ha alla dessa faktorer för att vara bra och det är snudd på deprimerande sällan vi som fotografer får alla dessa faktorer att sammanfalla i en enda fantastisk exponering men varje landskapsbild bör ha minst tre av dessa för att bli intressant, där ljus, motiv och förgrund är tongivande snabbt följt av de övriga. 

Jag vill därför hävda att denna information endast bör användas som riktlinjer.

MSJ_2016_348_DSC_4021-Edit.jpg

Ledande eller konvergerande linjer

Ett av de enklaste sätten att få en betraktares uppmärksamhet är att använda konvergerande eller ledande linjer. Konvergerande linjer har använts av målare i århundraden för att skapa illusionen av djupet inom ett 2-dimensionellt medium.

Det är därför som bilder av kajer, vägar och floder utgör sådana bra föremål att fotografera. Trots att många anser att sådana ämnen är klichéer är de klockrena för att skapa en intressant bild.  

Ledande linjer förbättrar inte bara bilden, de kan också bidra till att hålla ögat inom bildens gränser.

Leta därför aktivt efter dessa linjer när du fotograferar- dom finns nästan överallt.

Intressant Perspektiv

Det är sällan vårt naturliga läge i stående position utgör det bästa perspektivet. Snarare är det ju närmare smutsen och leran vi närmar oss desto mer spännande blir perspektivet. Detta gäller i synnerhet när jag exempelvis använder min 10-20mm lins.

Samtidig behöver inte höjd vara uteslutet. En unik vista från en upphöjd position kan vara minst lika kraftfull. 

Förgrunden

Bra landskapsbilder har nästan uteslutande starka förgrundselement, alternativt element som kompletterar den större scenen.

Ta till exempel en solnedgång. Givetvis spelar ett spektakulärt ljus in men en bild med endast röda moln tillför lite för engagemanget.

Förgrunden är den visuella entrén i en bild. Om ditt förgrundselement dessutom inkluderar ledande linjer är du ganska nära att skapa en oförglömlig bild. 

Mellanlags- och bakgrundselement

En bra regel är ju att först hitta sitt motiv, oavsett om det är ett berg eller en soluppgång för att sedan klä in den med en bra/intressant förgrund. Mellan förgrunden och bakgrunden kan ju exempelvis en äng eller sjö vara den perfekta mellanlagret. 

Levande färger och ljus

Allt för ofta (och jag antar vi alla gjort det någon gång/någonstans) skruvas det lite för mycket på rattarna och vi lämnas med en limpa av rött, gult eller blått kastat i ansiktet. Fullständigt onaturligt. Det är viktigt med färg, men de måste vara i balans för att tillföra bilden något och inte dominera bilden. 

Rörelse

Det är ju långt ifrån alltid det går att tillföra en känsla av rörelse i bilder men när tillfället ges bör det utnyttjas som ett extra element att tillföra dynamik. 

 

Hur du ”blendar” 2 exponeringar på bästa sätt.

Vid fotografering av ett motiv där exempelvis bakgrunden är ljusare än förgrunden, exempelvis en vacker solnedgång vid havet så finns det som bekant en rad verktyg och metoder. Vi kan ju exempelvis använda graduerade ND-filter eller dess digitala motsvarighet i exempelvis Lightroom, vi kan genom ett antal olika exponeringar använda oss av HDR, vi kan arbeta med masker i Photoshop eller så kan vi använda oss av verktyget Color Range. Detta var ett fåtal av många metoder men just Color Range är supereffektivt.

Att manuellt maska och blenda två exponeringar är tidsödande, det finns många som kan vittna om det och även om det finnsen superbra plug-in som heter Raya Pro som jag kört ett tag och som jag rekommenderar er att kolla in vid tillfälle så är Color Range verktyget i Photoshop utan tvekan bästa metod vad det avser precision och resultat.

Color Range hittar du i menyn Select i Photoshop. 

Vi börjar med två utvalda exponeringar (Detta är enbart demobilder i syfte att visa denna övning)

Ljus exponering

Ljus exponering

Mörk exponering (Med color range verktyget aktivt)

Mörk exponering (Med color range verktyget aktivt)

Öppna båda bilderna i Photoshop och lägg dom på varandra. Den mörka över den ljusa. I denna övning vill vi framförallt behålla himlen i den mörka exponeringen men även tonerna i havet. De områden jag valt är de vita i masken. Det svarta påverkas inte. 

Ungefärlig avbild av hur masken ser ut

Ungefärlig avbild av hur masken ser ut

När du är nöjd med selektionen inverterar du det valda området. Inverse hittar du lite längre upp i samma meny. Ta sedan ett väl tilltaget raderingsverktyg och radera rakt över hela bilden. Kvar bli då de delar du ville behålla. 

Mask efter radering 

Mask efter radering 

Vartefter du raderar blir de partier i den ljusa exponeringen synliga som ligger direkt under de raderade delarna av den mörka exponeringen.

När jag arbetade fram bilden från mina två bästa exponeringar från denna session och arbetade med denna metod så vart slutresultatet nedanstående. 

Slutresultat

Slutresultat

ND-tider hej hej

Sommar är ND-tider i större utsträckning än någon annan årstid. De långa dagarna (och korta nätterna) medför att vi gärna gräver i botten på kameraväskan för att ta fram våra gråfilter (ett annat ord för ND-filter) efter vinterdvalan.

Precis som med så mycket annat så är det fritt fram att gå bananas. Med slutartider på några hundra sekunder så förvandlas havet till en dimma.

Mitt första egenpåhittade uppdrag efter att jag införskaffat ett ND1000 från B+W var att bege mig till en strand med kullersten för att få den av mig eftertraktade effekten. Nice!! 

Rullsand

Rullsand

Med tiden har mitt fokus dock landat i att försöka hitta en balans. När ska jag i stället kanske överväga att jobba med ett ND8 filter istället?

En tankeövning i sammanhanget är att tänka struktur. VI tar en klassiker, ett vattenfall. För det första behöver du inte alltid ett ND filter för att få det mjuka och fluffiga utseendet på vattnet. Är det bara tillräckligt mörkt (nånstans efter solnedgång) och du väljer en tillräckligt liten bländare, nånstans norr om f11 så bör du få tillräckligt lång slutartid för att uppnå en liknande effekt. 

Fördelen med ND är att du kan kontrollera resultatet på ett helt annat sätt. Dels är du inte lika bunden av tidpunkten (som ovan) dels kan du välja vilket ND-filter du ska ha utifrån vilken effekt du önskar. Åter till struktur. Efter att ha lajat runt med ND1000 ett tag så tyckte jag att jag ville ha lite mer struktur på vattenflödet. Min preferens är därför att oftare välja lite lightare ND filter. 

Du kan läsa mer om ND i denna artikel jag skrev förra året

ND utan ND

Om man vill uppnå en liknande effekt vid exempelvis en sjö kan ni även ta ett antal exponeringar med stativ med c:a 15 sek mellanrum och c:a 10 exponeringar totalt och tanka upp dessa i Photoshop. (Läs denna artikel om hur). Se bild nedan som är gjord på det viset. Effekten syns främst i molnen.

Refuserad eller publicerad

För de allra flesta är tanken på att klä av sig inför en massa åskådare läskig. Att blotta sina innersta tankar eller känslor kan på samma sätt vara skrämmande. Alla människor som på ett eller annat sätt utför något kreativt, antingen på en scen, med en pensel eller med en kamera kan uppleva liknande känslor. 

Att hänga ut en bild för allmän beskådan, allmänhetens tycke och en rad förståsigpåare är sjukt läskig. Att få sitt verk nagaelfaret i minsta detalj kan vara både svårt och lite smärtsamt. 

Men en dag kanske du samlat tillräckligt med mod. Du väljer ut din bästa bild, du printar och ramar in den samt hänger den på ditt lokala kafé. Förmodligen kommer du mest få höra snälla och uppskattande ord. Eventuellt får du, om priset är rätt, den även såld. 

Genom de sociala mediernas intåg i våra liv har nya möjligheter uppstått. Och då vi alla (nästan samtliga av oss) är näst intill beroende av likes, bekräftelse och beröm är detta ett ekorrhjul som aldrig kommer att stanna. Men på nätet är det andra spelregler som gäller. Samtidigt som nya möjligheter uppstått har möjligheten att bli kritiserad mångfaldigats. Skillnaden är att nu är den dold, anonym och bakom denna anonymitet frodas både avund och andra känslor som inte alltid är så positiva och uppmuntrande. Somliga går till rena personangrepp och går så långt att vissa till och med överväger att helt sluta fotografera.  

Jag har under några år varit medlem i olika forum och på olika sajter. Exempelvis på Facebook och 500px och det är inte alltid roligt och stundtals inte så svårt att känna sig orättvist kritiserad. Jag har även sett hur andra blivit utsatta. 

Många av oss lägger ofta ner min själ i sina bilder och när man väl fått tummen ur brukar man generellt ha relativt höga förväntningar, alldeles för höga har det visat sig ibland. På 500px ser jag vissa som drar 3000 likes! Själv får man allt som oftast nöja sig med en bråkdel.

IRL så fungerar det ju lite annorlunda. I dag hänger mina bilder lite här och där. Både i butiker, på hotell och hemma hos människor men på nätet kan det upplevas fortsätt frostigt ibland. 

Summan av alla dessa tankar är att det inte alltid är dåligt att bli kritiserad om det sker på rätt sätt, det är inte så roligt att bli refuserad men så länge det finns en skälig förklaring är det OK. 

Jag tog beslutet att lägga krutet på ett ställe och frivilligt utsätta mig för ibland svidande kritik från några av världens bästa fotografer. Det finns en sajt som heter 1x.com (som faktiskt startades av en kille som heter Ralf från Uppsala). Det är en av de viktigaste fotosajterna på nätet och de publicerar bara det bästa vilket i detta fall innebär 3-5% av allt som kommer in. Som betalande medlem får du dessutom det höga nöjet att bli både kritiserad och refuserad. Men det är rättvisande och betydelsefull kritik som, inbillar jag mig, får mig att bli bättre.

Och ibland inträffar plötsligt de ofattbara:



Att våga tro på sig själv, lyssna på den kritik som du själv tycker är värd att lyssna på och fortsätta med det du gillar är det viktigaste av allt. För plötsligt en dag händer det. Någon annan som betyder mycket, som du ser upp till gillar också din bild. Ett erkännande!

Att fota en artist

Har vid några tillfällen fotat artister och precis som vid andra porträtteringar handlar det om att försöka fånga människan bakom och att få fram en bild som på ett eller annat sätt representerar hen. Jag är övertygad om att det hjälper till om du som ska ta bilden på något vis har en relation till (inte med nödvändigtvis) objektet i fråga. 

I går var det dags för Kris Kristofferson. En artist vars historia och talang i många år imponerat på mig. 

Den bild jag till sist valde ut tycker jag representerar min känsla av honom. Den återspeglar de typiska dragen och uttrycket han har. 

Bilden är tagen med ett Sigma 150 mm med bländare 2,8.

 

Kris Kristofferson

Kris Kristofferson

Testa Foto Makeover

Från och med idag lanserar jag en ny tjänst, helt gratis. Jag kallar den Foto Makeover och ni hittar den här på sidan. Ni skickar in en bild till mig som jag får jobba med. Jag spelar in allt på video och ni kommer i efterhand kunna ta del av hela mitt work flow. Kolla in Foto Makeover 

Mitt liv som bedragare

Har du kört den i Photoshop? Personen tittar mig stint i ögonen för att liksom se om jag är en bedragare av värsta sorten. 

Postprocessen av foton är idag en väsentlig del av arbetet med en bild. Det är vare sig manipulation eller fusk utan en utvecklad del av det arbete fotografer sedan kameran uppfanns sysslat med, framkallning. 

En bländande vacker solnedgång och en sjö i förgrunden är något det mänskliga ögat utan problem kan ta in. Även om våra kameror i dag är mycket avancerade så kan en kamera fortfarande inte ta in allt det vackra ljuset och samtidigt på ett balanserat sätt återge vad som sker i förgrunden. I stället för en analog framkallningsprocess för att ta fram ett resultat som faktiskt återger hur det såg ut och kändes när du stod där och tog bilden så gör vi det idag digitalt och med ännu kraftfullare verktyg i våra händer.

Sedan finns det, i mitt tycke, en gräns som man inte gärna bör överträda men som ändå många har som praxis att göra och jag vid åtminstone ett tillfälle själv gjort. Att byta ut väsentliga delar av bilden mot något annat. En himmel t.ex. Eller infoga något som inte fanns där när bilden tog. Porträttfotografen Jake Olsson arbetar hela tiden på detta sätt. I princip alla hans bilder byts en intetsägande himmel ut mot gnistrande solnedgångar.

Copyright Jake Olsson

Copyright Jake Olsson

Här är det helt klart fråga om bildmanipulation men är det att likställa med fusk? Jag kan snarare se det som ett konstnärligt uttryck. Jake och många andra kända porträttfotografer som jobbar i denna stil förmedlar ju känslor med sina verk. Dessa verks tillkomst består av två moment, ett motiv som fotas och bearbetningen av motivet till ett resultat framträder som vi som åskådare kan uppskatta. 

Historiskt sett så var målare och konstnärer endast tillför att återge och dokumentera ögonblicket. Stora slag, påvar och kungar porträtterades på löpande band. När kameran gjorde sitt intåg på marknaden användes den på exakt samma sätt. Det var i ett strikt dokumentärt syfte kameran användes. Någon gång på 50-talet började detta förändras och idag är foto även ett konstnärligt uttryck. Jag menar vem ifrågasätter huruvida van Gogh målade dit lite extra tulpaner eller om de faktiskt fanns där?

Tillbaka till mitt brott. Jag fångande en vacker natt månljuset ute vid havet men himlen i bakgrunden var just denna kväll otroligt tråkig. Jag bestämde mig därför att i detta fall så skulle jag prova, det var befogat att experimentera med en annan bakgrund. Inte för att fuska utanför att stämningen i hela bilden skulle få den lite magiska touch jag ville uppnå och som redan fanns där ute på bryggan i kylan.

Vem sjutton vill ha ett tråkigt motiv på väggen?

Fokus på fokus

Köpte en ny vacker lins för ett tag sedan. En Sigma 24 mm 1,4 ART. Visar sig att det var ett ordentligt måndagsexemplar, den bakfokuserar med minst 1 cm på största bländaren. Fokus är kass och nu ska den in på översyn. Då jag inte har en fullstor sensor (en 7200 som jag är supernöjd med) är detta det närmaste en bra 35:a jag kommer. Jag köpte denna linns för att ha en riktigt bra prime när jag utforskar objekt i stadsmiljöer, fotograferar natthimmlar och faktiskt som ett komplement till min landskapsfotografering där jag i regel använder en 10-20 mm (15-30 mm). Även den från Sigma.

Funderat en del på detta med fokus eller snarare skärpa. Vi jagar ju hela tiden skärpa. Knivskarpa bilder. Jag har exempelvis investerat i kulpåsar som jag hänger runt stativet för att minska vindens påverkan, eller andra vibrationers påverkan på exponeringen. 

I post process använder många säker olika verktyg för en extra finjustering av skärpan som av uppenbara skäl måste finnas där från början. Dåligt fokus går nog knappast att laga. 

Och det är här det blir intressant. Jag jobbar i Lightroom och började med det ganska sent och är supernöjd men har uppfattat att vissa tycker skärpeverktygen i Photoshop är bättre. 

Nu kan det ju historiskt ha förhållit sig så men gäller det fortfarande? De penslar och andra skärpeverktyg LR efter 2015 på är i min mening bra. 

Har testat alternativ som High-Pass i Photoshop (som ni ställer in på mellan 3,0 och 5,0 och sedan väljer overlay för i ett eget lager på originalbilden). Tycker även det vart bra men frågan är om det blir bättre???

Har ni några egna tankar kring detta?

 

Det optimala objektivet för porträtt

Det har länge varit en sanning att porträtt bäst tas med ett ljuskänsligt objektiv på 85 mm. Exempelvis Nikon 85 mm f/1,4. 

Men allt fler tycks vara eniga om att en längre brännvidd (Exempelvis 135 mm eller 180 mm) med en fortsatt hög ljuskänslighet ger ännu bättre porträtt. 

Som så mycket annat finns det vare sig rätt eller fel och spontant så skulle jag påstå att ljuskänsligheten är viktigare än brännvidden. 

Nedanstående bild är tagen med ett 135mm objektiv med bländare 2,8. Den är tagen av en mycket berömd porträttfotograf från Ryssland, Elena Shumilova

Copyright Elena Shumilova

Copyright Elena Shumilova

Jag har i dagarna efter mycket betänketid införskaffat mig ett 150mm objektiv med största bländare 2,8. Finns nya för c:a 8000 SEK, mitt är begagnat och hittades efter lite trixande för 3500 SEK. Linsen är köpt dels med syfte att fungera som tele i mitt landskapsfotograferande men även för ett tilltagande intresse att fota mina barn och andra tvåbenta varelser. 

Mycket spännande ska det bli och jag kommer att posta bilder vartefter jag fångar dom. 

Vikten av ett bra arbetsflöde när du fotar (Del 1)

Hur många gånger har jag inte hört från vänner och bekanta att hårdisken kraschat eller om hur alla deras bilder försvunnit. Att ha ett bra arbetsflöde handlar dock inte enbart om back-up utan om så mycket mer, allt ifrån att alltid skydda orginalfilen till att ha en smidig hantering av bilderna i din redigering.

Back-Up

Se till att ha en fysisk back-up enhet i form av en väl tilltagen hårddisk där du arbetar med dina bilder. Ha aldrig datorn och den enheten på samma ställe i övrigt. Komplettera detta med en bra back-up tjänst online. Det finns flera bra gratisalternativ som exempelvis Dropbox som inom en viss mängd data är kostnadsfritt. Själv föredrar jag Zip Cloud. Dels för att den automatiskt och flera ggr per dygn scanar de mappar den bevakar för back-up, dels för att deras appar gör det möjligt att hela tiden komma åt sina filer. Oavsett om jag sitter vid datorn eller med mobilen. 

Funderar starkt på att även köpa en enhet att ha med sig ut på fältet som automatiskt kopierar över informationen på SD kortet till en portabel hårdisk. Går att läsa mer om här

arbetsflöde.jpg

Bildbehandling/Redigering

Det finns lika många program som det finns goda råd. Alltifrån superenkla till avancerade. Men det finns en tydlig vattendelare som du behöver befinna dig på rätt sida om. Icke-destruktiv redigering! (Non destructive).

När jag lagt mina nytagna bilder i mappen där jag har alla original och startar Light Room och börjar vrida på reglagen så påverkar inte det filen, utan det är ett eget lager som Light Room applicerar på filen som gör att originalfilen i mappen alltid förblir orörd. Light Room är inte det enda program som erbjuder denna typ av redigering men om du är intresserad så erbjuder Adobe ett utmärkt paket för fotografer för 120 SEK per månad där både Light Room och Photoshop ingår. Creative Cloud Photography

Island, det stora fotoäventyret

Nu har jag äntligen gjort det. Jag har köpt mig en alldeles egen resa, bara för mig. Med ett enda syfte, att fota!

Inte helt oväntat går den till Island, detta mecka för landskapsfotografer. I september bär det av. 3 3 dygns fotobonanza.

Kirkufjell

Kirkufjell

Det är många sajter som ska besökas under dessa 3 dagar och planeringen utifrån solens uppgång och nedgång är i full fart. Om ni har tips så hör gärna av er!

Komposition -Vad innebär tredjedelsregeln?

Att kunna placera rätt objekt på rätt plats i en bild skapar harmoni och fångar ögat. I ett grundläggande skede så kanske vi inte ska fixera allt för mycket kring detta men ett bra mind set när du ändå sitter ute i busken och fotar är att tänka på kompositionen. 

En av de mest använda reglerna är tredjedelsregeln. Den är enkel till sin konstruktion med två vågrätta resp två lodrätta linjer genom bilden. 

Nedanstående exempelbilder ger en bra indikation på hur du kan arbeta enl. denna regel när du bygger din komposition. 

 

HDR, inte alltid crazy!

HDR eller High Dynamic Range kan vara så många olika saker. Inledningsvis kan det enklast förklaras på följande sätt, två eller fler identiska bilder (tagna vid samma tillfälle och samma position) men med olika exponeringstider läggs på varandra.

Typiskt så är det exempelvis en normalexponering samt en underexponerad respektive en överexponerad bild. 

Somliga vill gärna uppnå en speciell effekt med HDR. Landskapsbilden ovanför påvisar denna typiska HDR effekt som faktiskt är en förvanskning av HDR.

Om du exempelvis importerar en normalexponering samt en under respektive en överexponerad bild i Lightroom så lyser denna effekt (förvanskning) med sin frånvaro. Däremot får du det vi strävar efter när vi tar dessa bildserier, m.a.o. en jämnare exponering mellan mörka och ljusa partier. 

HDR lämpar sig exempelvis superbra när ni fotar interiört av den anledningen. Ljuset från fönstret till fåtöljen inne i det mörka hörnet balanserar bra med varandra.   

Jag har sedan länge exempelvis programmet Aurora, perfekt för effekter som bilden ovan. Men det är ju inte alltid önskvärt. Det är ju kanske inte det vi strävar efter. I nedanstående video från Adobe kan ni se hur ni gör HDR i Lightroom. Här kan ni även ladda ner exempelbilderna till filmen nedan

Landskapsfotografering, Reflektioner och tips.

Reflektion

Denna del hör egentligen inte till saken men om du sonderar terrängen bland landskapsfotografer på exempelvis 500px så ser det ut som en överhängande del av någon anledning är män. Mao män (som jag) som hänger sig åt att hajka runt ute i terrängen, ibland på obekväma tider för att fånga "det där". Varför det är en överhängande del män har jag ingen aning om, dels borde det vara relativt jämt fördelat för jag tror inte det är en överhängande del män som exempelvis fjällvandrar eller åker på safari. Där är det nog mer 50/50. Landskapsfotografering är ju heller inte precis någon typiskt testosteronstinn extremsport motsvarande turen till toppen av K2 utan en ganska mjuk och konstnärlig passion. Så frågan varför det är en överhängande del män är lite av ett mysterium och förblir tillsvidare obesvarad.

Motiv

I dag tänkte jag vi skulle beröra detta med motiv. Min erfarenhet av landskapsfotografering är inte lastgammal och påbörjades runt 2004. Jag visste nog inte ens att det kallades något speciellt utan gillade generellt att vara ute i naturen och fota och hitta motiv.

Kungsleden 2004 

Kungsleden 2004 

Det man generellt kan säga om motiv är bl.a. två saker:

  • Motiv finns överallt, allt är ett motiv 
  • Det är i betraktarens öga, vad du som fotograf kan göra med de motiv som dyker upp, vare sig de är bra eller dåliga.

Men precis som i många andra fall så fins det även inom landskapsfotografering vissa saker att förhålla sig till, att lära sig och förstå. (Se även denna artikel om tredjedelsregeln)

Vi börjar med att visualisera en slät vidsträckt yta. Långt där borta finns ett berg, eller en solnedgång. Låter det bra? Ser ut ungefär såhär:

Copyright Matt Kloskowski (Edited for educational purpose)

Copyright Matt Kloskowski (Edited for educational purpose)

Vad är din uppfattning om ovanstående bild? En sak jag ser är en vacker himmel. Det finns en förnimmelse om rymd. Bilden är komponerad enl. tredjedelsregeln. I detta fall utgör himlen den övre tredjedelen. Denna bild har jag lite slarvigt gjort om i Photoshop för att tydliggöra vad som verkligen saknas och samtidigt är en av de viktigaste elementen inom landskapsfotografering, nämligen förgrunden. 

Copyright Matt Kloskowski

Copyright Matt Kloskowski

I exemplet ovan är kompositionen komplett och nästan perfekt. Dessutom finns det en bra story i bilden eftersom den avbildar de så kallade Sailing Rocks eller vandrande stenar. 

5 saker att alltid tänka på för att fånga ditt motiv

  • Ljuset (och molnen), var är ljuset, vad pågår vad händer?
  • Förgrund (som exemplet ovan)
  • Solen, var är den och kan du använda den i din komposition?
  • Tiden på dagen, påverkar den andra element?
  • Omgivning, var uppmärksam på vad som händer bakom dig och runt omkring dig.

Tänkvärt

Jag är inte intresserad av att hitta nya motiv, jag vill se ett motiv på nya sätt
-Ernst Haas

Vi kan ha detta citat i åtanke en stund. Det finns nog en miljon bilder av Taj Mahal men det hindrar inte tusentals personer av att fota det varje dag. För ett tag sedan berättade en kollega till mig om ett kickstarter projekt. Det var en ny kamera med inbyggd GPS och uppkoppling mot massa bilddatabaser. Om motivet du riktade kameran mot redan kunde matchas i någon av bilddatabaserna, exempelvis Instagram så gick det inte att trycka av. En slags digital miljöåtgärd som är lika galen som rolig. 

Med ovanstående citat färskt i minnet kan vi titta på Oliver Curtis  Han har gjort en grej av att vända kameran åt "fel håll". Så hans bild av Taj Mahal är följande

Copyright Oliver Curtis

Copyright Oliver Curtis

Cusrtis står med Taj Mahal i ryggen och fotar i motsatt riktning. Ytterligare en tänkvärd skiftning från den traditionella Taj Mahal bilden är följande:

Med andra ord, det är i betraktarens öga som motivet finns. Det finns en eller flera dimensioner av det traditionella. 

Att hitta en bra plats att börja på

Jag har ju i ett tidigare inlägg talat om att ta klivet och verkligen lära sig kameran. Att ta steget från komfortzonen och automatläget och börja fota manuellt. Ett mycket bra sätt att praktisera sina nyvunna kunskaper är att scouta en location i din närhet.

Vi är ju inte alla som har turen att ha Paciffic North West, Canyon land, Island eller Norges vackra kust runt hörnet. Själv bor jag i Uppsala och har åtminstone en eller ett par timmar i bil till storslagen natur och skärgård. 

Men oavsett var du bor så finns det säkert något att fota. Själv hittade jag en vacker gammal stenbro att fota på cykelavstånd från huset där jag bor, det finns även en dal som i vissa fall kan vara fantastisk. Jag brukar använda Google maps och andra tjänster. En ny cool tjänst som jag bara börjat titta på är Photo Hotspots som markerar hur hett det är i ett visst område utifrån hur många bilder som tagits där. Inte oväntat är Sverige ganska svalt, Island ryker som värsta vulkanen och Norges kust lyser ilröd. 

När du väl hittat en plats så bör du använda olika applikationer för att titta på ljus och väderförhållanden. Några klockrena appar är:

Sedan är det bara att börja planera. Scouta även lokalpressen efter intressanta grejor som kommande norrsken, supermåne mm.

Utrustning

Nödvändig

  • Tri pod -Stativ
  • Fjärrutlösare/remote
  • Bra kläder

Även bra att ha men inte akut

  • Vidvinkelobjektiv
  • Filter